Las 15 mejores bandas sonoras de videojuegos de 2025: desde los 8 bits hasta las épicas

En este artículo, analizaremos las bandas sonoras de videojuegos más emblemáticas e influyentes que se han compuesto jamás. Volverás a disfrutar de clásicos, descubrirás joyas ocultas y verás cómo la música ha moldeado el propio arte de los videojuegos.

Nuestra selección de las mejores bandas sonoras de videojuegos

La música puede convertir los grandes juegos en experiencias inolvidables. Hay melodías que se te quedan grabadas y que despiertan emociones, tensión o alegría que perduran mucho después de haber dejado el mando. Estos tres juegos demuestran el poder de la música en las bandas sonoras de los videojuegos y cómo esta moldea la experiencia del jugador.

Chrono Trigger (1995)

– Los jugadores viajan en el tiempo a un mundo lleno de peligros y descubrimientos. Las composiciones de Yasunori Mitsuda combinan la maravilla y la urgencia, dotando a cada época de una voz propia.

Final Fantasy VII (1997)

– La música del juego crea un mundo que resulta a la vez inmenso y íntimo. Nobuo Uematsu combina elementos orquestales y electrónicos para realzar los momentos más emotivos, dejando una impresión imborrable en cualquiera que recorra Midgar.

Persona 5 (2016)

– Su banda sonora, llena de ritmo y optimismo, encaja a la perfección con el elegante diseño del juego. Shoji Meguro compone una música que resalta el sigilo, la tensión y la emoción de la rebelión, haciendo que cada escena rebose energía y personalidad.

Estos tres juegos demuestran cómo una banda sonora puede marcar el recorrido del jugador. Sigue leyendo para descubrir la lista completa de bandas sonoras de videojuegos que han dejado huella entre los aficionados de todo el mundo.

Las 15 mejores bandas sonoras de videojuegos para volver a escuchar en 2025

Una música memorable puede convertir un buen juego en una aventura emblemática. Tanto si ya conoces alguna de estas canciones como si las descubres por primera vez, cada melodía deja huella. Pon a prueba tus conocimientos y sumérgete en estas partituras inolvidables, que recogen las mejores bandas sonoras de videojuegos.

Chrono Trigger

Una obra maestra atemporal de los JRPG

Nuestra puntuación ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ Título del juego Chrono Trigger Género Juego de rol japonés Compositor(es)

Yasunori Mitsuda (principal), Nobuo Uematsu, Noriko Matsueda (una pista)

Género musical

Música del mundo, jazz fusión, música electrónica, música clásica Año de lanzamiento Plataformas Super Nintendo, Nintendo DS, Wii, PlayStation, Windows, iOS, Android Canciones destacadas El tema de Chrono, El secreto del bosque Disponibilidad de la banda sonora Streaming/Digital:

Spotify, Apple Music.

Físico:

Vinilos, ediciones de coleccionista

La banda sonora de Yasunori Mitsuda para este JRPG de 1995 sigue siendo una de las más queridas de la historia de los videojuegos.

La banda sonora combina melodías medievales con sintetizadores futuristas, lo que la convierte en el acompañamiento perfecto para esta aventura de viajes en el tiempo. Temas como «Corridors of Time» y «Frog’s Theme» ponen de manifiesto su amplio abanico emocional, que va de lo contemplativo a lo heroico.

Por qué lo elegimos

Mitsuda ha compuesto una banda sonora atemporal que combina la nostalgia con la innovación, al tiempo que dota a cada época de su propia y memorable identidad musical.

Cada época que visites en Chrono Trigger tiene su propia identidad musical. Esto hace que el mundo cobre vida.

Los temas de batalla aportan energía a los combates, pero los momentos más tranquilos aportan profundidad emocional. La banda sonora no solo acompaña la historia, sino que realza la experiencia. Décadas después, estas composiciones siguen resonando en los jugadores que recuerdan su primer viaje en el tiempo.

Mi veredicto:

Esta banda sonora marcó un hito en la música de los videojuegos de rol de los años 90 y sigue influyendo hoy en día a compositores de todo el sector.

Final Fantasy VII [El alma de la música de los JRPG]

Nuestra puntuación ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ Título del juego Final Fantasy VII Género Juego de rol japonés Compositor(es)

Nobuo Uematsu Género musical Sintetizador, orquestal, rock Año de lanzamiento Plataformas Windows, PlayStation, PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox One, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, iOS, Android Canciones destacadas Ángel de una sola ala, J-E-N-O-V-A Disponibilidad de la banda sonora Streaming/Digital:

Spotify, Apple Music, YouTube Music, iTunes, Amazon Music, Steam Físico:

Caja de varios CD, discos de vinilo y discos Blu-ray El resultado en Final Fantasy VII Comienza con su emblemático preludio antes de dar paso a uno de los temas más reconocibles de la historia de los videojuegos. Nobuo Uematsu creó una banda sonora que alterna con fluidez entre el sonido industrial y los grandiosos momentos orquestales. La atmósfera opresiva de Midgar se refleja en los temas del reactor, mientras que los motivos de los personajes ofrecen algunas de las piezas más emotivas del juego.

Por qué lo elegimos

La obra maestra de Uematsu marcó a toda una generación de bandas sonoras de videojuegos de rol gracias a su profundidad emocional y sus melodías emblemáticas.

La música de batalla mantiene la intensidad del combate sin resultar repetitiva, pero es su variedad lo que hace que la banda sonora de este videojuego sea excepcional. Dependiendo del momento, puedes encontrarte con la energía del punk-rock o con una hermosa melodía que se te queda grabada. Cada personaje y cada lugar en Final Fantasy VII reciben un tratamiento musical que las hace inolvidables.

Mi veredicto:

Esta es una de las bandas sonoras que me hizo enamorarme de las bandas sonoras de videojuegos, y hoy en día sigue emocionándome igual que entonces.

Persona 5 [Elegante, original, inolvidable]

• Nuestra puntuación
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• Género
• JRPG, simulación social
• Título del juego
• Persona 5

Compositor(es)

Shoji Meguro (compositor principal), Toshiki Konishi, Kenichi Tsuchiya, Atsushi Kitajoh, Ryota Kozuka Género musical Acid jazz, jazz fusión, funk, J-Pop/J-Rock, música electrónica Año de lanzamiento Plataformas Windows, Xbox One, Xbox Series X/S, PlayStation 3, PlayStation 4, PlayStation 5, Nintendo Switch Canciones destacadas La vida cambiará, la última sorpresa Disponibilidad de la banda sonora Streaming/Digital:

Spotify, Apple Music, YouTube Music Físico:

CD, vinilo de edición limitada

Este juego te cautiva con su estilo desde el primer momento. La fusión de acid jazz de Shoji Meguro crea una experiencia auditiva sin parangón en el mundo de los videojuegos. La banda sonora rebosa seguridad, convirtiendo las batallas y las secuencias de atracos en auténticas celebraciones rítmicas. La voz de Lyn Inaizumi en temas como «Rivers in the Desert» aporta una personalidad que hace que la música parezca un personaje más.

Por qué lo elegimos

Meguro se arriesgó con el acid jazz y creó algo que el mundo de los videojuegos nunca había escuchado antes en Persona 5.

La mezcla de jazz, rock y elementos electrónicos refleja De Persona 5 los temas de la rebelión y la libertad. El ambiente cambia durante las tardes lluviosas de Tokio, lo que pone de manifiesto la versatilidad de la banda sonora. Incluso me pareció que los sonidos de los menús quedaban muy bien en este juego. La música complementa sin duda la elegante estética, pero también la impulsa, haciendo que cada momento parezca deliberado.

Mi veredicto:

La banda sonora de Persona 5 no sigue las tendencias; las define, y gracias a ello los videojuegos son mejores.

The Legend of Zelda: La Ocarina del Tiempo [Una sinfonía de aventuras]

Nuestra puntuación ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ Título del juego The Legend of Zelda: La Ocarina del Tiempo Género Acción y aventura Compositor(es)

Koji Kondo Género musical Orquesta sintetizada con temas folclóricos tradicionales Año de lanzamiento Plataformas Nintendo 64, GameCube, Nintendo 3DS, Switch Online Canciones destacadas Canción de las tormentas, tema de la llanura de Hyrule Disponibilidad de la banda sonora Streaming/Digital:

Aplicación de Nintendo Switch Online Físico:

Ediciones limitadas en CD, álbumes en vinilo con licencia

La obra maestra de Koji Kondo de 1998 introdujo la música como mecánica de juego al tiempo que creaba una banda sonora inolvidable. Las melodías de la ocarina que el jugador aprende se convierten en herramientas para resolver acertijos y desplazarse por el mundo, lo que hace que la banda sonora sea interactiva. Esas sencillas melodías se grabaron a fuego en la cultura de los videojuegos y se convirtieron en un elemento esencial para avanzar en el juego.

Por qué lo elegimos

Kondo convirtió la música en un elemento fundamental del juego al componer algunos de los temas más emblemáticos de la historia de los videojuegos para una de las mejores bandas sonoras de videojuegos.

Cada ubicación en The Legend of Zelda: La Ocarina del Tiempo cuenta con temas musicales distintivos que ayudan a definir las diferentes regiones de Hyrule a lo largo de este clásico juego de aventuras. Los temas de los templos crean tensión y ambiente, mientras que la melodía épica de Hyrule Field hace que la exploración resulte grandiosa.

La música se adapta a lo que ocurre en el juego y a la edad de Link.

Kondo convirtió la melodía en mecánica y, de alguna manera, logró que ambas cosas encajaran a la perfección en una de las el mejorZelda juegos que se haya creado jamás.

Mi veredicto:

Todavía tarareo las melodías de The Legend of Zelda: La Ocarina del Tiempo Décadas después… No hay más que decir.

NieR: Automata [Inquietante y desgarrador]

Nuestra puntuación ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ Título del juego NieR: Automata Género ARPG, Hack-and-slash Compositor(es)

Keiichi Okabe, Keigo Hoashi, Kuniyuki Takahashi Género musical Cinemático, orquestal, ambiental Año de lanzamiento Plataformas Windows, PlayStation 4, Xbox One, Nintendo Switch Canciones destacadas Recuerdos de polvo, el peso del mundo Disponibilidad de la banda sonora Streaming/Digital:

Spotify, Apple Music, YouTube Music, Steam Físico:

Cajas de CD de varios discos, ediciones limitadas en vinilo El resultado en NieR: Automata es tan singular como el propio juego. Las melodías de Keiichi Okabe parecen existir fuera del tiempo, sobre todo cuando se disfrutan a través de la auriculares supraaurales de gama alta. La banda sonora combina voces etéreas, arreglos orquestales y elementos electrónicos para crear algo verdaderamente único. «Weight of the World» es un ejemplo fantástico y se utiliza para generar una gran carga emocional a lo largo de todo el juego.

Por qué lo elegimos Okabe ha creado una banda sonora que encaja a la perfección NieR: Automata preguntas existenciales acompañadas de una música que invita igualmente a la reflexión.

Las melodías oscilan entre la belleza y el caos, reflejando el viaje de los protagonistas androides a través de un mundo postapocalíptico. Para mí, lo que lo distingue es cómo la música se transforma en función de la jugabilidad. El combate intensifica los arreglos, mientras que la exploración suaviza el ambiente.

Las voces en lenguas artificiales aportan a la banda sonora un carácter sobrenatural que encaja a la perfección con la narrativa filosófica, por lo que realmente no se parece a nada de lo que hay en el mundo de los videojuegos — y vivirlo a través del La mejor barra de sonido por menos de 500 dólares hace que cada nota y cada detalle sutil resulten aún más envolventes.

Mi veredicto:

Esta partitura se arriesga con su enfoque experimental y consigue lograr algo que la mayoría de los compositores no se atreverían a intentar.

Assassin’s Creed Valhalla [Ecos del Norte]

Nuestra puntuación ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ Título del juego Assassin’s Creed Valhalla Género ARPG Compositor(es)

Jesper Kyd, Sarah Schachner, Einar Selvik Género musical Orquestal, folk nórdico, coral, ambiental, electrónica Año de lanzamiento Plataformas Windows, PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox One, Xbox Series X/S Canciones destacadas El amanecer del Ragnarök, La saga del cuervo Disponibilidad de la banda sonora Streaming/Digital:

Spotify, Apple Music, Amazon Music Físico:

Edición limitada en CD, lanzamientos en vinilo

Jesper Kyd y Sarah Schachner dan vida a la Inglaterra de la época vikinga a través de impactantes composiciones de influencia nórdica en Assassin’s Creed Valhalla. La banda sonora combina instrumentos tradicionales, como la tagelharpa y el bukkehorn, con una orquestación moderna. El tema principal establece de inmediato su carácter épico, mientras que las piezas más tranquilas evocan los paisajes brumosos de Inglaterra.

La música de las incursiones inyecta adrenalina en el combate sin llegar a saturar la experiencia en este juego de mundo abierto a gran escala, donde la banda sonora combina la brutalidad con la belleza. Los asentamientos se caracterizan por temas cálidos y comunitarios que contrastan con la música de batalla, más cruda.

Por qué lo elegimos

Los compositores combinaron auténticos instrumentos nórdicos con una producción moderna para crear un paisaje sonoro envolvente de la época vikinga en Assassin’s Creed Valhalla.

Las interpretaciones vocales aportan autenticidad al escenario vikingo, y el sistema de sonido dinámico responde a tus acciones. Las incursiones resultan un poco más intensas y la exploración, más contemplativa, gracias a esta banda sonora monumental que mantiene su calidad a lo largo de decenas de horas.

Mi veredicto:

La banda sonora da vida a la Inglaterra de la época vikinga con una mezcla de temas épicos de batalla y piezas sutiles y evocadoras que realzan cada momento.

Undertale [Minimalismo con máxima emoción]

Nuestra puntuación ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ Título del juego Undertale Género RPG Compositor(es)

Toby Fox Género musical Chiptune, de inspiración retro, electrónica, orquestal, jazz Año de lanzamiento Plataformas Windows, macOS, Linux, PlayStation 4, PlayStation Vita, Nintendo Switch, Xbox One Canciones destacadas Tu mejor amigo, Spider Dance Disponibilidad de la banda sonora Streaming/Digital:

Spotify, Apple Music, Amazon Music, SoundCloud, YouTube Music, Bandcamp Físico:

Caja de 2 CD, caja de vinilos Toby Fox compuso toda la banda sonora en Undertale él mismo, creando una magia lo-fi que va mucho más allá del rollo retro. Su capacidad para dotar de complejidad emocional a melodías sencillas brilla en todo momento. Varias de sus canciones se han convertido en fenómenos de Internet, reconocidas mucho más allá del círculo de jugadores del juego.

Por qué lo elegimos

Toby Fox demostró que una sola persona con una visión clara puede crear música que rivaliza con la de equipos de estudio enteros.

Una de las razones por las que esta banda sonora funciona tan bien es que sabe dosificar los recursos.

Los momentos tranquilos se acompañan de una música sobria y reflexiva, pero las batallas contra los jefes están llenas de energía.

El sentido del humor del juego se refleja en las composiciones más desenfadadas. Fox ha creado algo que suena a la vez nostálgico y fresco, utilizando las limitaciones como fuente de inspiración creativa en lugar de como obstáculos.

Mi veredicto:

A los fans les encanta esta banda sonora por su riqueza emocional y su encanto desenfadado. Las sencillas melodías en Undertale dejar una huella duradera.

The Witcher 3: La caza salvaje [Folclore, fantasía y fuego]

• Nuestra puntuación
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• Título del juego
• The Witcher 3: La caza salvaje
• Género
• ARPG

Compositor(es)

Marcin Przybyłowicz, Mikołaj Stroiński, Percival Género musical Orquestal, música folclórica eslava, música del mundo, épica/fantasía Año de lanzamiento Plataformas Windows, PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox One, Xbox Series X/S, Nintendo Switch Canciones destacadas «Acero para los hombres», «Capa y espada» Disponibilidad de la banda sonora Streaming/Digital:

Spotify, Apple Music, YouTube, Bandcamp, GOG Físico:

Cajas de CD, ediciones estándar y ediciones limitadas en vinilo For The Witcher 3: La caza salvaje, Marcin Przybyłowicz, Mikolai Stroinski y Percival llevaron la música folclórica eslava al mundo de los videojuegos. La banda sonora utiliza instrumentos tradicionales y estilos vocales regionales para anclar el mundo de Geralt en la auténtica cultura de Europa del Este. «The Fields of Ard Skellig» captura a la perfección la belleza azotada por el viento de las islas con sus melodías de influencia celta.

Por qué lo elegimos

El equipo incorporó auténticas tradiciones folclóricas eslavas al juego, creando una banda sonora rica en cultura y con un marcado carácter regional para The Witcher 3: La caza salvaje.

La música de combate intensifica la caza de monstruos sin resultar molesta en este juego híbrido de mundo abierto.

Las melodías populares animan los pueblos, mientras que la exploración de la naturaleza salvaje es evocadora, y los encuentros con los jefes aumentan la intensidad de forma adecuada.

No se trata de la típica música de fantasía, ya que las letras en polaco y otros idiomas aportan una autenticidad que el inglés no podría ofrecer.

Mi veredicto:

La banda sonora destaca por su autenticidad, con una mezcla de instrumentos y voces folclóricas que hacen que la exploración y el combate se sientan profundamente conectados con el mundo de The Witcher.

Star Wars Jedi: Survivor [La Fuerza en armonía]

Nuestra puntuación ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ Título del juego Star Wars Jedi: Survivor Compositor(es)

Stephen Barton, Gordy Haab Género Acción y aventura Género musical Cinemática, orquestal, electrónica, coral Año de lanzamiento Plataformas Windows, PlayStation 5, Xbox Series X/S Canciones destacadas Flujo de Ébano, Campos del Crepúsculo Disponibilidad de la banda sonora Streaming/Digital:

Spotify, Apple Music, YouTube Music, Amazon Music Físico:

Vinilo de edición limitada

Stephen Barton y Gordy Haab ampliaron su trabajo a partir de Orden Caída para J edi Survivor, con una banda sonora que rinde homenaje a John Williams al tiempo que forja su propia identidad. El tema principal tiene la solemnidad que corresponde al viaje de Cal Kestis, mientras que las secuencias de acción cuentan con un intenso acompañamiento orquestal que transmite la auténtica esencia de Star Wars.

Por qué lo elegimos La banda sonora de Star Wars Jedi: Survivor responde de forma natural a tus acciones, mientras Cal se enfrenta tanto a combates como a acertijos ambientales.

La banda sonora se adapta a la jugabilidad a la perfección, intensificándose durante los combates. La exploración y el desplazamiento por un juego de plataformas exigente territorio recibe un tratamiento más moderado. T Los compositores saben cuándo inspirarse en Williams y cuándo crear algo nuevo. Las batallas contra los jefes tienen el carácter épico que se espera, y los momentos más tranquilos de los personajes adquieren profundidad emocional gracias a una discreta interpretación de las cuerdas.

Mi veredicto:

Como La Guerra de las Galaxias Como fan, creo que esta banda sonora capta la esencia de las películas sin caer en excesos, al tiempo que permite a Barton y Haab plasmar momentos memorables a través de la música.

The Elder Scrolls V: Skyrim [El coro épico de Dragonborn]

Nuestra puntuación ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ Título del juego The Elder Scrolls V: Skyrim Género ARPG Compositor(es)

Jeremy Soule Género musical Orquestal, folk nórdico, coral, cinematográfico Año de lanzamiento Plataformas Windows, PlayStation 3, PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox 360, Xbox One, Xbox Series X/S, Nintendo Switch Canciones destacadas Sovngarde, Dragonborn Disponibilidad de la banda sonora Streaming/Digital:

Spotify, Apple Music, Amazon Music y YouTube Music.

Físico:

Caja de 4 CD, vinilo en edición estándar y limitada

Dependiendo de a quién le preguntes, el tema principal de Jeremy Soule para Skyrim podría ser la pieza musical más emblemática jamás compuesta para un juego de fantasía. El coro nórdico y la percusión trepidante te hacen sentir como un héroe legendario incluso antes de empezar a jugar. La banda sonora crea una atmósfera envolvente a lo largo de cientos de horas, con una música de exploración que nunca llega a cansar en este juego de rol para ordenador de gran envergadura.

Por qué lo elegimos

Con The Elder Scrolls V: Skyrim, Soule creó una banda sonora de fantasía que se convirtió al instante en un clásico y que define el alcance épico y la atmósfera nórdica del juego.

Las ciudades presentan una atmósfera cálida y acogedora, mientras que las mazmorras generan tensión mediante composiciones escasas y resonantes.

El dinámico sistema musical alterna entre el combate y la exploración. Los encuentros con dragones dan lugar a intensas piezas corales que hacen que cada combate resulte memorable, mientras que las canciones de taberna dan vida a los asentamientos. Lo que más impresiona es cómo la banda sonora mantiene su calidad a lo largo de un juego tan extenso y cómo la música sabe cuándo estar presente y cuándo fundirse con el ambiente.

Mi veredicto:

El tema principal por sí solo ya justifica esta selección, pero toda la banda sonora es música de fantasía épica en su máxima expresión.

Halo 3 [El poder sagrado de la ciencia ficción]

• Nuestra puntuación
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• Título del juego
• Hola 3
• Género
• Juego de disparos en primera persona

Compositor(es)

Martin O’Donnell, Michael Salvatori, C. Paul Johnson Género musical Orquestal, coral, cinematográfica, rock, electrónica Año de lanzamiento Plataformas Windows, Xbox 360, Xbox One Canciones destacadas El último espartano: termina la lucha Disponibilidad de la banda sonora Streaming/Digital:

Spotify, Apple Music, Amazon Music y YouTube Music Físico:

Caja de CD, vinilo de edición limitada

Martin O’Donnell y Michael Salvatori cerraron la trilogía original con su banda sonora más ambiciosa en Hola 3.

El emblemático tema de Halo regresa con nuevos arreglos, mientras que otras piezas aportan una mayor intensidad emocional al viaje del Jefe Maestro.

La combinación de orquesta, guitarra de rock y canto gregoriano da lugar a algo único entre juegos FPS emblemáticos. El piano ocupa un lugar destacado en los momentos más tranquilos, aportando un contraste emocional a las explosivas secuencias de batalla.

Por qué lo elegimos

O’Donnell y Salvatori le dieron al jefe una despedida digna de leyenda con la banda sonora de Hola 3.

La música de combate potencia la intensidad durante las batallas a gran escala. La secuencia de la carrera de los Warthog ofrece uno de los momentos musicales más memorables de la historia de los videojuegos. Lo que hace que esta banda sonora sea tan especial para muchos aficionados es cómo logra equilibrar la alegría con la melancolía. La trilogía con la que muchos de nosotros crecimos está llegando a su fin, y la música lo refleja.

Mi veredicto:

A los jugadores les encanta cómo la música realza cada encuentro, ya sea con emocionantes persecuciones en Warthog o con secuencias más tranquilas y conmovedoras, que dejan un recuerdo imborrable.

Guardianes de la Galaxia de Marvel [La recopilación de mi vida]

Nuestra puntuación ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ Título del juego Los Guardianes de la Galaxia de Marvel Género Rock, Pop Compositor(es)

Richard Jacques Género musical Orquestal, rock clásico, pop, mezcla ecléctica Año de lanzamiento Plataformas Windows, PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox One, Xbox Series X/S, Nintendo Switch Canciones destacadas Despiértame antes de que te vayas, Llámame, Boda blanca Disponibilidad de la banda sonora Streaming/Digital:

Spotify, Apple Music, Amazon Music y YouTube Music Físico:

Caja de CD, Edición limitada en vinilo

La banda sonora con licencia de los años 80 es la que más llama la atención en El juego «Guardianes de la Galaxia» de Marvel, pero la banda sonora original de Richard Jacques también merece un reconocimiento. Sus composiciones orquestales dotan a esta aventura cósmica de una dimensión épica muy adecuada, y además combinan a la perfección con los temas clásicos.

La banda sonora principal evoca el ambiente clásico de la ópera espacial, y la música de combate mantiene la energía a tope durante las batallas. Los temas de los personajes reflejan la personalidad de cada Guardián a través de motivos musicales característicos.

Por qué lo elegimos

Jacques compuso una banda sonora que complementa la emblemática banda sonora original, al tiempo que crea su propia identidad de aventura cósmica.

La banda sonora de Jacques se integra perfectamente con los éxitos de los años 80 sin entrar en competencia con ellos. Sus composiciones aportan continuidad a los temas tradicionales y crean ambiente cuando no suenan las canciones pop. Las batallas contra los jefes cuentan con un tratamiento intenso a la altura de la acción del juego y, en general, la banda sonora capta a la perfección la magnitud y la maravilla del universo cósmico de Marvel.

Mi veredicto:

La banda sonora del videojuego «Guardianes de la Galaxia» de Marvel tiene algo para todos los gustos.

Journey [Emoción en movimiento]

Nuestra puntuación ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ ☆ ★ Título del juego Viaje Género Aventura Compositor(es)

Austin Wintory Género musical Minimalista, atmosférico, orquestal, ambiental Año de lanzamiento Plataformas Windows, PlayStation 3, PlayStation 4, iOS Canciones destacadas Tentaciones, Umbral Disponibilidad de la banda sonora Streaming/Digital:

Spotify, Apple Music, Bandcamp y Amazon Music Físico:

CD y vinilo de edición limitada de Mondo Viaje es una experiencia interesante, y la banda sonora de Austin Wintory, nominada a los Grammy, es parte indisoluble del propio juego. La banda sonora, con el violonchelo como protagonista, va creando una tensión emocional a medida que atraviesas paisajes desérticos en dirección a la montaña en este un juego de aventuras único. Los temas van evolucionando a lo largo de las dos horas que dura la experiencia, en función de tus movimientos y tus interacciones dentro del juego.

Por qué lo elegimos

Wintory creó una obra maestra nominada a los Grammy que demuestra que la música de los videojuegos tiene un lugar propio en el debate sobre la composición musical seria.

Wintory compuso una obra que transmite sin necesidad de palabras, encajando a la perfección con la narrativa sin diálogos de Journey. La banda sonora transmite una sensación a la vez antigua y moderna, utilizando instrumentos orquestales para crear algo atemporal. Cada zona tiene una identidad musical propia, pero se mantiene la continuidad temática. La banda sonora de este juego es una obra de arte, lo que demuestra que los medios interactivos pueden generar una resonancia emocional comparable a la de las bandas sonoras de las películas clásicas.

Mi veredicto:

La banda sonora cautiva a los jugadores con sus temas en constante evolución, lo que hace que cada momento del viaje resulte personal y profundo.

Dark Souls 3 [La belleza en la desesperación]

• Nuestra puntuación
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• Título del juego
• Dark Souls 3
• Género
• ARPG

Compositor(es)

Yuka Kitamura, Tsukasa Saitoh, Motoi Sakuraba, Nobuyoshi Suzuki Género musical Orquestal, fantasía oscura, cinematográfica Año de lanzamiento Cinemático, orquestal, ambient oscuro Plataformas Windows, PlayStation 4 Canciones destacadas Alma de Ceniza, Bailarina del Valle Boreal Disponibilidad de la banda sonora Streaming/Digital:

Spotify, Apple Music, Amazon Music, YouTube Music.

Físico:

Set de 2 CD, Ediciones en vinilo

La banda sonora de Motoi Sakuraba sabe captar el silencio. La música aparece con moderación en Dark Souls 3, lo que hace que los enfrentamientos contra los jefes resulten memorables cuando por fin entran en escena los arreglos orquestales. El jefe final utiliza un solo de piano para evocar melancolía en lugar de triunfo, captando a la perfección el carácter trágico del enfrentamiento. Los temas de los jefes de este juego demuestran cómo la música puede contar historias solo a través de la composición.

Por qué lo elegimos

El estilo sobrio de Sakuraba hace que cada momento musical cobre importancia, lo que encaja a la perfección con la atmósfera opresiva del juego.

El enfoque minimalista hace que cada momento musical cobre sentido en Dark Souls 3. Pasas horas explorando en un silencio casi absoluto y, de repente, te enfrentas a un jefe con un acompañamiento orquestal completo. El contraste crea un impacto que una banda sonora constante no podría lograr. Las composiciones de Sakuraba transmiten una sensación de melancolía y grandeza, lo que refleja los temas de decadencia y gloria perdida de Dark Souls.  La sobria banda sonora recuerda a juegos de metroidvania con una atmósfera envolvente donde la exploración y el descubrimiento marcan la pauta de la experiencia.

Mi veredicto:

A veces, menos es más. Esta banda sonora demuestra que el silencio puede ser tan poderoso como el sonido.

Silent Hill 2 [Horror psicológico en armonía]

• Nuestra puntuación
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• ☆
• ★
• Título del juego
• Silent Hill 2
• Género
• Terror de supervivencia

Compositor(es)

Akira Yamaoka Género musical Cinemático, ambiental, melódico, oscuro Año de lanzamiento Plataformas Windows, PlayStation 2, Xbox Canciones destacadas Tema de Laura: «Overdose Delusion» Disponibilidad de la banda sonora Streaming/Digital:

Spotify, Apple Music, Amazon Music, YouTube Music.

Físico:

Set de 2 CD, Ediciones en vinilo

La pesadilla industrial de Akira Yamaoka sigue sin tener rival en el ámbito de la música para videojuegos de terror.

La banda sonora de Silent Hill 2 utiliza la disonancia, el ruido industrial y melodías inquietantes para crear una sensación de angustia constante.

Aparecen breves momentos de respiro emocional antes de volver a sumergirnos en el horror sonoro, ya que las escenas clave se acompañan de melodías melancólicas que contrastan con las inquietantes imágenes del juego.

Por qué lo elegimos

Yamaoka creó un paisaje sonoro de terror industrial que sigue siendo el referente del género en lo que respecta al terror psicológico en los videojuegos.

La música te hace sentir incómodo de una forma que intensifica el terror psicológico. Yamaoka fusiona múltiples géneros para crear algo inquietante y coherente. Es realmente desagradable escucharla fuera del juego, y precisamente por eso funciona tan bien dentro de él. La música de Silent Hill 2 no está pensada para disfrutar; está diseñada para inquietar y perturbar.

Mi veredicto:

En 2001 resultaba inquietante, y sigue siendo igual de inquietante veinte años después. Esta banda sonora cumple a la perfección con lo que debe hacer la música de terror, lo que la convierte en una de las mejores bandas sonoras de videojuegos que se han publicado.